Pioneras de la arquitectura ecuatoriana
4 Arquitectos Modernos
MX 1968 Arquitectura Olímpica y medios impresos
Bauhaus Reverberada
Arquiternura y urbanismo
La normalidad normal
The pink Buildings
Brasilia Baila Sola
La acuarela como medio de expresión
Imaginarios Arquitecturizados
En-demolición
Arquetipo
GRAFICA de la arquitectura
PROTOTIPOS
Exposición Premio ON-03 de la REDBAAL
Proyecto AAPA – Aceras Accesibles Plan Árbol
El Rito Andino de la Casa
Imágenes Arcaicas
Tumbaco
Viviendo de la Memoria
Temporales del arte FAUCE
Parecer hasta llegar a ser
Tú y yo hemos perdido
Sara Palacios Galería de Arte

La investigación “Pioneras de la arquitectura ecuatoriana” propone una búsqueda histórica para reconocer y visibilizar a las mujeres que han contribuido a la arquitectura en Ecuador hasta 1980. La detección de perfiles relevantes se realizó mediante la revisión de archivos de las primeras facultades de arquitectura del país y de bibliografía local especializada, complementando datos cuantitativos con entrevistas. La mirada feminista con la que se abordó el estudio cuestiona la profesión no solo desde la perspectiva de género, sino desde sus estructuras que resaltan sólo contribuciones tangibles. Esta exposición, mediante una discusión crítica, reivindica la producción intelectual de la primera generación de arquitectas, quienes destacaron principalmente en la academia, historia y teoría.

Realizada con el apoyo de la Graham Foundation, la exposición estudia la planificación de la Ciudad de México y el diseño de los edificios deportivos para la olimpiada México 68 a través del análisis de la extraordinaria campaña mediática, el impresionante diseño gráfico y las revistas de arquitectura, los cuales intentaron esconder –o mostraron claramente– los complejos procesos sociales y políticos nacionales e internacionales de la época.

La presente muestra busca retratar esa dicotomía que existe entre lo monumental y lo humano en esta urbe, y como los usuarios se ven empequeñecidos, dentro de una ciudad que fue planificada para exaltar los edificios y no la vida entre ellos.
Pese a la belleza de sus edificios, Brasilia exuda un aire melancólico y de soledad. Brasilia baila sola.

El título de la muestra hace referencia al proceso de diseño y construcción de imágenes nuevas a partir de representaciones de la realidad, para crear escenarios surrealistas que nos inviten a la reflexión sobre las relaciones entre paisaje construido y paisaje natural, ciudad y campo, adentro y afuera, violencia y calma, etc.

En tiempos tan agitados y en urbes donde todo ocurre de manera veloz y violenta, como ciudadanos y seres humanos hemos ido perdiendo la capacidad de deslumbramiento, de poder sorprendernos con nuestro entorno más inmediato; hemos ido perdiendo nuestra capacidad de observación. Imaginarios arquitecturizados es una invitación a volver a ver, no desde las ventanas, sino hacia ellas, en un viaje al interior, para poder descubrir formas, texturas y atmosferas sublimes y pacíficas, muy contrarias a nuestras urbes actuales.

La ciudad vista desde su liminalidad urbana, como espacio de tránsito a su transformación misma. En 1972 Henri Lefebvre publica “La producción urbana” y pone en cuestión un tipo de ciudad defendida por un Le Corbusier instalado en el paradigma moderno del progreso. La idea de una ciudad concebida desde el flaneur abrigó las concepciones artísticas y urbanas amparadas en la internacional situacionista. La idea de una nueva ciudad fue planteada y sus constelaciones se diseminan con pensadores y urbanistas.

EN-DEMOLICIÓN se presenta como la evidencia y el énfasis de modos de representación desde la práctica del tránsito, exploración y diseño que buscan aproximarse a determinados espacios arquitectónicos de Guayaquil; espacios que franquean hacia su desaparición, ruinas o transformación. Amparados en un proceso de reflexión y estudio de un estado de la materia (material de construcción), evidenciamos su transformación habitando su liminalidad en edificios en proceso de demolición de la ciudad.

Partiendo del abanico de medios explorados por el artista Luis Alberto Chenche, las obras han sido elaboradas durante su proceso académico de investigación con medios interdisciplinarios. Es en esta demolición donde se piensa una práctica, una representación y un pensamiento que permite ampliar y pensar a las estructuras arquitectónico-urbanas como dispositivos perpetuadores de ideologías. La liminalidad como posibilidad de nuevos lugares fértiles, el rizoma urbano de la creación.

La estética ha sido traducida a la línea sinuosa, equilibrio de formas, textura, simetría y composición.

En esta serie echo mano de las raíces, es acerca de la recreación de una identidad que funde el romance de lo ancestral con la crudeza de lo moderno.

Objetos escultóricos e imágenes que dinamizan el espacio público a través de un diálogo entre la sinuosidad de las obras frente al hieratismo industrial de la arquitectura contemporánea. No solo desde la forma, sino también desde una perspectiva histórica que establezca una línea de comunicación entre lo ancestral y lo contemporáneo.

Este proyecto responde a la importancia de visionar un espacio público con escultura que más allá de señalar lugares, su intención es la de marcar hitos que responden a un momento histórico a través de la huella que dejamos en los espacios que habitamos.

Cuando dibujamos de memoria debemos recordar y visualizar la información hasta que la traslademos al papel o soporte. En la práctica de la arquitectura es esencial esta actividad plástica, ya que se trabaja constantemente con la retentiva y la memoria visual.

Dibujar de memoria es un ejercicio necesario para la creación, es así que en su práctica proyectual lo han utilizado algunos de los arquitectos más reconocidos del mundo, tal es el caso de: Le Corbusier, Peter Zumthor, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza, entre otros. Es importante que las personas en proceso de formación académica y en todas las disciplinas creativas lo realicen, pues es una práctica diferente al acostumbrado trabajo del copiado. Para ejecutar este ejercicio es preciso tener en cuenta que todos estamos dotados con una fuente valiosa de documentación, que es nuestra memoria y criterio visual.

Para mí, únicamente existía el centro histórico y el resto de la ciudad. La fotografía fue el instrumento que me detuvo a mirar volúmenes, sombras, profundidades y detalles. A través de las obras de arquitectura moderna, lo ordinario se volvió extraordinario. En este punto fue inevitable darme cuenta que no había una, sino decenas de referencias, inclusive dentro de un mismo lugar.

Luego de retratar un edificio, a través de la imagen, podía regresar una y otra vez al mismo espacio y compartir mis descubrimientos con alguien más.

Una imagen es una reducción arbitraria de la realidad. Al tomar una fotografía se escoge una narrativa puntual y al dibujar se representa una subjetividad. PROTOTIPOS propone ocho referencias arquitectónicas de Quito desde una visión fotográfica resintetizada por medio de la ilustración. La sobriedad de las profundidades, sombras y volúmenes toman el primer plano, eliminando la barrera entre ambas técnicas. Su simplificación, tanto en formas como en colores, genera un camino que abre paso a la serigrafía. Esta abstracción final transforma las referencias en iconos que insisten en detenernos, una vez más, frente a la ciudad para recordarnos capa por capa su esencialidad.

El Comité Internacional de Jurados de esta edición, conformado por dos miembros designados por la REDBAAL: Diane Gray (EEUU-España), José Luis Cortes (MX); un representante de la Fundación Oscar Niemeyer: César Shundi; un representante de la Federación Panamericana de Asociaciones de Arquitectos FPAA: Juan Articardi; y, por los ganadores del Premio ON-02: Isaac Broid y Carlos Bedoya, luego de un arduo y complejo trabajo definió los 20 proyectos que ahora se presentan. Los ganadores de esta Edición, serán anunciados en el marco de la Bienal Panamericana de Arquitectura de Quito BAQ 2020, el día miércoles 18 de noviembre a las 18hs30.

Les invitamos a admirar la calidad arquitectónica de todos los proyectos seleccionados que dan cuenta que, la arquitectura latinoamericana florece desde sus raíces en su vigoroso mestizaje, con una arquitectura responsable con su contexto social, cultural, urbano o natural y que es capaz de resolver programas complejos pero al mismo tiempo es capaz de afectarnos emocionalmente con su materialidad, sus volúmenes, sus detalles y con su poética.

Handel Guayasamín, Arq.
Director Ejecutivo REDBAAL.

Las siguientes implementaciones serán en algunos barrios del norte de Quito. Estos barrios están esperando el apoyo para aplicar los principios de diseño sostenible y de resiliencia urbana.

El pensamiento andino tiene su base en la agricultura mediante la cual se nutre y puede perpetuar la vida en la tierra. La siembra es el acto por el que se empieza edificando la casa, consiste en un pago a la tierra, se hace un hueco en el suelo para enterrar una ofrenda de comida y alimentos. Levantar la casa comprende una serie de actos constructivos de la edificación en su parte estructural o tectónica. Cobijar se entiende como el momento en donde se instala la cubierta, techo o losa. Celebrar el espacio construido establece la relación de bienestar común o sinergia común que produce la producción colectiva de estos espacios.

Los fotomontajes están construidos con personajes traídos de diferentes escenas de la historia del arte, el cine o ilustraciones que sumergen al observador a conectar una serie de fragmentos de tiempos, espacios o disciplinas, al igual que Humbolt establece el pensamiento performático y relacional en red, las operaciones constructivas y simbólicas que establecen el rito andino de la casa configuran una serie de imágenes que comparten una misma naturaleza simbólica.

Integración del individuo/colectivo que interactúa con las imágenes

Pensar que un observador puede superar ampliamente las intenciones originales de cada imagen, permite entender el sentido de «»dispositivo»». La propuesta se presenta como un proceso de activación constante entre tres condiciones complementarias:

1. La implementación de dispositivos espaciales que posibiliten reacciones diversas en los visitantes, desde la virtualidad mediante aplicaciones que permiten la visita a manera de ventanas temporales.

2. La autodeterminación como la posibilidad del descubrimiento y producción de situaciones inesperadas.

3. La reformulación del carácter simbólico de la representación a través de un comportamiento que debe permanecer tan libre como sea posible.

Imagen arcaica como hecho cotidiano contemporáneo
La indeterminación de los límites del espacio de actuación, representaciones inciertas que hacen evidente lo cotidiano de lo contemporáneo, remiten a dibujos sin referencia directa, sin pasado, sin presente, sin futuro; simplemente son la evidencia de la inestabilidad contemporánea.

La visión de su maravilla es una afortunada vicisitud en el indiferente tránsito de nuestro ordinario trayecto. Sus formas por lo general pasan desapercibidas y su conversación nos parece exhausta. Habitan una dimensión a la que normalmente no estamos dispuestos a acceder. No queremos escuchar lo que nos dicen.

Son, irónicamente, las únicas que de hecho establecen un diálogo con la ciudad y sus habitantes. No invaden. No se esconden. No secuestran las calles con sus muros cercados, sino que las cultivan y las celebran con sus dinteles y la vida que los atraviesa. Son las arquitecturas con las que las personas tienen un mayor contacto. Sin darnos cuenta participamos de sus accesos, de sus formas, de su sustancia silente. Una cercanía muda, casi ciega, ordena nuestra relación.

Son, por esto mismo, las arquitecturas más civiles de todas. No tienen un solo estilo o un tiempo. Son tan nuevas como antiguas. Son las verdaderas productoras de ciudad y de memoria. Debajo de las costumbres, debajo de la que hemos fabricado y aceptado como nuestra realidad, es su imagen la que al final emerge cuando pensamos en Tumbaco.»

Tú y yo hemos perdido. Una carta de amor abandonada en varios lugares de la ciudad evidencia la ausencia, lo que fue o pudo ser creando un espacio fantasma para repensar la pérdida, los deseos y lo que quedó inconcluso.

Telaraña. Con las telas de desecho de varias fábricas de cortinas, se elaboró un hilo de retazos de varios kilómetros para con él enredar, envolver objetos, cerrar calles y cruces o simplemente impedir el tránsito habitual, obligando a cambios momentáneos en el espacio, a repensar cómo estamos y cómo formamos parte de la ciudad.

Al abrir la Galería asumo la responsabilidad de generar un espacio de difusión cultural, que se sume a las posibilidades de ver arte que ofrece la ciudad.
Dudé mucho antes de poner mi nombre a este espacio que es además mi propia casa por considerarlo pretencioso pero me decidí a hacerlo cuando comprendí que convocar a una exposición de arte visual o poético, a una conferencia, a compartir un taller, etc. implica un alto grado de involucramiento personal, una responsabilidad frente al público que acude a la convocatoria confiando en una recomendación, siguiendo un referente.

La Galería de Arte no ha tenido una inauguración oficial y no la tendrá porque siento que se inaugura en cada exposición que en ella se realiza. Es muy importante abrir mi casa para compartir mi pensamiento que son mis esculturas y el arte de mis amigos y buenos artistas que quieran exponer en estas salas.

El objetivo principal es generar generar publico para el arte con exposiciones individuales acompañadas de conferencias y talleres que permitan una mayor aproximación y conocimiento del artista.